jueves, 1 de julio de 2010

Historia de la zanfona

La zanfona apareció en Europa Occidental hacia el siglo IX. Su origen podría estar en España o tal vez en Oriente Próximo. En sus formas más antiguas se usaba en la música religiosa medieval, requería dos intérpretes y recibía el nombre de organistrum (‘organito’) y más tarde vielle à roue (‘viola a rueda’) y symphonia.

La primera referencia escrita la da el abad Odo de Cluny en su obra Quomodo organistrum construatur (como construir un organistrum) si bien su veracidad es dudosa dado que sólo se conoce a través de citas muy posteriores. También se menciona un instrumento parecido en un compendio musical del árabe Al Zirikli.

La zanfona es uno de los instrumentos que cita El Arcipreste de Hita, don Juan Ruiz (1283-1350). En su obra maestra del mester de clerecía, El Libro de Buen Amor, incluye una interesante relación de Instrumentos musicales utilizados durante este período anterior al Renacimiento; en los capítulos LI y LII, menciona:

...panderos, zamponnas, alboques, caramillo fecho de cana uera, cítola, atambores, guitarra, corpudo laúd, rabé gritador, trompas, annafiles...

Michael Praetorius en su Syntagma Musicum (1620), pág. XXII, muestra dos zanfonas utilizadas en conciertos de teatro de la época.

En Misurgia Universalis, de Athanasius Kircher, publicado en 1650, Iconilmus VIII folio 487 figura VI, aparecen dos interesantes dibujos de la zanfona con el nombre de Lyra mendicorum.



Francia, s. XVIII

A partir del siglo XVI pasó a manos de trovadores, juglares y mendigos. Su época dorada llegó en el siglo XVIII, especialmente en la corte francesa del rey Luis XV, ya que ésta era la referencia de la moda en el resto de Europa. A partir del siglo XVIII la zanfona vuelve a manos populares, ya que en la música académica se imponen otros instrumentos de cuerda de mayor presencia (como los violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos).
Al modelo más extendido en la música folklórica de Francia se le considera un instrumento resultado de la unión de la Sinfonía y Viola medieval realizados a partir de la caja de resonancia de un Laúd o una Viola.

A mediados del siglo XVIII apareció en Francia la zanfona-órgano conocida como vielle organisée, que desapareció en poco tiempo pese a que compositores como Haydn escribieran específicamente para ella.

A partir de la década de 1970 renació el interés por el instrumento especialmente tras su adaptación electroacústica y las innovaciones técnicas de las que es exponente Valentin Clastrier.

En el Kunsthistorisches Museum de Viena, se conserva (2005), un ejemplar de zanfona que también menciona P. Calo en Instrumentos del Pórtico de la Gloria vol. 2, pág 212. Wikipedia

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Características de la zanfona

La zanfona se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda enresinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio.

Las notas cambian al presionar las teclas de un teclado dotado de unas espadillas que acortan la cuerda melódica. La zanfona común tiene dos o tres cuerdas melódicas o cantantes, de las que se obtienen varias notas (alrededor de dos octavas de un piano), y dos o tres bordones a los lados, que emiten una sola nota (generalmente más grave). Esta nota sostenida independiente de la melodía es la que le ha valido el sobrenombre de gaita zamorana o de pobre, debido a la nota sostenida o bordón de la gaita, y debido a esta particularidad es intercambiable por la gaita en muchos estilos de música popular, especialmente en Francia y Hungría. Las zanfonas actuales pueden llegar a tener 23 cuerdas, agrupadas en cuatro categorías: melódicas, bordones, rítmicas (o trompetas) y simpáticas (que vibran sin necesidad de tañerlas porque entran en resonancia). Wikipedia

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Zanfona

Una zanfona (también llamada cinfonía, zanfonía y viola de rueda, en Galicia: zanfoña o zampoña, en Zamora: gaita zamorana y gaita de pobre, en Asturias: Gaita de Rabil y Zanfonía, en el País Vasco: Zarrabete, en Cataluña: Viola de roda, en Palencia: Rabil de manubrio), (fr:vielle à roue; en:hurdy-gurdy; it:ghironda; ge:Drehleier; Hungría:Forgolan; Checoeslovaquia:Niněra; BieloRusia: Lira; Ucrania: Relia) es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados, muy extendido en la música popular europea con numerosas variantes en distintas regiones y épocas.

No conviene confundirla con la zampoña, que es un instrumento de viento. Wikipedia

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Selección de obras para viola

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Violistas relevantes

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Importancia de la viola

La viola es conocida actualmente como un instrumento de cuerda frotada algo mayor que el violín; sin embargo, con este nombre se conocía en la Edad Media a todo cordófono de arco de varias piezas y fue ésta la primera denominación utilizada para definir a los instrumentos de cuerda frotada, tanto de brazo como de pierna.

Durante el renacimiento, la familia de la viola original se dividió en dos ramas: la viola da braccio y la viola da gamba. Las violas de brazo quedaron relegadas a las tabernas, en donde tocaban músicas populares; mientras que las violas da gamba eran exclusivas de las cortes más refinadas. Este instrumento acabó cayendo en desuso y el violín fue sustituyéndolo por su brillantez. Los compositores preferían dicho instrumento por su amplitud sonora y la agilidad en vez de la delicadeza de las violas da gamba.

En el barroco, el violín cobró la máxima importancia. La viola le gana en calidez y resonancia, y es casi tan manejable y ágil como el violín.

El papel de la viola es fundamental en la orquesta ya que da profundidad y apoyo a la armonía, la hace rica y aterciopelada. No debemos olvidar tampoco la gran variedad de obras compuestas para la viola solista o las sonatas para viola acompañada.

La viola tiene una reputación menor dentro de la cuerda pero se trata de un prejuicio arrastrado desde los orígenes de la orquesta moderna (s.XIX), cuando era asumida por violinistas en decadencia.

[editar] Su poder expresivo

La viola posee un notable poder expresivo. De acento más bien suave, recogido y algo melancólico, se presta más a pasajes de poco movimiento que excesivamente rápidos. Entre las obras orquestales que tiene asignada partes importantes figuran la Sinfonía concertante de Mozart y el poema sinfónico de Richard Strauss Don Quijote, ambas con carácter solista, amén de otras muchas cuya relación resultaría excesivamente prolija.

Grandes compositores, clásicos. románticos y modernos, apreciando las cualidades sumamente emotivas de este instrumento han escrito obras muy importantes como conciertos, sonatas, suites, etc., que justifican por sí solas la presencia del concertista de viola en las salas de audiciones. La viola es un instrumento de relevada importancia en la orquesta actual ya que colabora en que el sonido entre los instrumentos graves y los agudos no sea tan destacado, además de tener un sonido realmente intermedio que equilibra los sonidos de cuerda de la orquesta. Wikipedia

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Papel de la viola

En el siglo XVII el papel de la viola se limitaba a reforzar la línea del bajo o completar la armonía. En el siglo XVIII la viola tiene un papel más expuesto (por ejemplo en el Sexto concierto de Brandemburgo, de Bach).

En este siglo Telemann compone el primer concierto para viola en 1731 llamado Koncert g - dur (concierto en sol mayor). En los cien años siguientes se alcanza la edad dorada de la historia de la viola. Se componen 150 conciertos por varios compositores como Stamitz, Hoffmeister, Zelter, Rolla...

Algunos compositores violistas cuyo repertorio ha permitido el desarrollo de la viola como instrumento solista y virtuoso son, entre otros: Lionel Tertis (1876-1975); Paul Hindemith (1895-1963); Vadim Borisovskiy (1900-1972); William Primrose (1904-1982).

[editar] Evolución en el diseño

Las violas construidas en el siglo XVIII tenían unas dimensiones de 38 cm para combinar su uso con el violín. En esta época aparece la scordatura que se basaba en afinar la viola más alto de lo normal. A finales de este siglo, se empezaron a construir violas grandes aunque eran muy escasas. Éstas tenían un tamaño de 45 a 47 cm pero eran todavía de muy baja calidad.

Actualmente, para designar los tamaños de las violas se utilizan las pulgadas (1 pulgada = 2,54 cm). Hay violas desde 11' (27,9 cm) hasta 16,5' (41,9 cm). Dependiendo de la edad y altura de la persona ejecutante se elige un tamaño u otro.

Durante el romanticismo compositores como Weber, Berlioz, Wagner y otros destinaron sus composiciones a los salones aristocráticos en donde la viola actuaba como protagonista e intérprete debido a que su tesitura débil limitada por su tamaño no le permitía hacer frente a las orquestas cada vez mayores y a los auditorios.

Posteriormente hubo un período de experimentación por parte de los fabricantes de viola. En el siglo XIX el modelo de viola tenía alrededor de 41 cm. Este nuevo sonido y el contraste que tenía en la orquesta inspiraron a muchos compositores como Rubinstein, Max Reger, Béla Bartók, Benjamin Britten, etc.

Nota: La viola es conocida en Francia con el nombre de alto y en Alemania con el de Bratsche (pronunciado brache), cuyo origen proviene del italiano (Viola da bracchio). Wikipedia

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La viola como hoy la conocemos

La viola que actualmente conocemos nace entre los siglos XVI y XVII con el nombre de viola da Braccio. Su tamaño es algo mayor que el violín. Sirve de puente sonoro entre éste y el violonchelo, lo mismo en el cuarteto de cuerda que en toda formación orquestal. Su timbre es muy bello aunque con tinte dulcemente opaco. Su tesitura central es la mejor y la que conserva además su verdadero carácter. Se sostiene con el brazo izquierdo en posición horizontal, al igual que el violín y se apoya su caja armónica de la misma manera que éste, o sea debajo de la barbilla.

Tiene cuatro cuerdas que se afinan con las notas do, sol, re, la (de grave a agudo subiendo en intervalos de quinta). Para su lectura musical emplea las claves de do en tercera línea y —cuando las notas son muy agudas— en clave de sol.

Su extensión es de más de tres octavas. Como todos los instrumentos de cuerdas frotadas por el arco, empleando armónicos naturales y artificiales su ámbito es mayor. Wikipedia

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Otros tipos de violas

Se conocieron otros tipos de violas con el nombre de bastarda, di borbone, víolone, pomposa, etcétera

La viola pomposa fue inventada en 1720 por Johann Sebastián Bach y construida por el luthier de Leipzig, Hoffmann. Era de tamaño algo mayor que la actual viola y tenía cinco cuerdas que se afinaban por este orden, de grave a agudo: do, sol, re, la, mi. Este instrumento podía sujetarse a la espalda mediante una correa y sustituía al violonchelo en las notas altas de su tesitura. Pero a medida que la técnica del violonchelo fue perfeccionándose, la viola pomposa —por cierto incómoda y bastante difícil de tocar, fue cayendo en desuso hasta llegar a quedar totalmente olvidada años más tarde. Wikipedia

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Antecedentes de la viola

ción de la viola como heredera directa de la viella de cuerda (la viella es como un violín cuyas cuerdas se ponen en vibración por medio de un teclado, el arco es reemplazado por una cuerda pulida y frotada con colofonia) supone un avance enorme en la historia de los instrumentos de arco.

Nacida entre los siglos XIV y XV, su cultivo empieza ya a tomar valor artístico a partir de este último siglo. Su primer método o tratado fue publicado en 1543 por Silvestro Ganassi dal Fontego, bajo el nombre de Régola Rubertina.

Teniendo en cuenta que en aquella época la mayoría de instrumentos tenían tres o cuatro variantes correspondientes a la extensión de las voces humanas (soprano, contralto, tenor y bajo), es decir las cuatro voces tradicionales del coro mixto, la viola no escapó a dicha costumbre y por ello conocemos la viola quintón (la más aguda o sea soprano). El nombre de quintón proviene de sus cinco cuerdas en lugar de las seis que tenían las demás violas. La viola a spalla (‘viola de hombro’), la viola da braccio (‘viola de brazo’, que es la más parecida a la actual) y la viola da gamba (‘viola de pierna’, de tesitura y modo de ejecución similar al violonchelo).

De la viola da braccio surgió la viola d'amoreviola de amor»). La diferencia entre ellas consiste únicamente en que a la segunda se le añadieron unas cuerdas de latón que descansando en el puentecillo debajo de las de tripa, vibraban por simpatía, ampliando con este procedimiento la sonoridad del instrumento, aparte de darle también un timbre especial gracias a esta vibración común y a la sonoridad metálica de las cuerdas inferiores.

En estos bellos instrumentos se acusa ya mucho la transformación que desde siglos anteriores venía haciéndose lenta y paulatinamente. En lugar de la llamada «rosa» (abertura practicada en la mitad de la tabla armónica o caja de resonancia al igual que el laúd, la vihuela, la guitarra, etc. o sea los instrumentos cuyas cuerdas se pellizcan o puntean), aparecen unas pequeñas aberturas conocidas con el nombre de oídos o efes y en forma de C puestas una enfrente de otra y en sentido inverso. También aparecen unos cortes laterales curvados para facilitar el movimiento del arco. Estos cortes llegaron a ser en algunos casos tan exageradamente pronunciados que la caja armónica en su parte central quedaba reducida a la mínima expresión.

Como el clavecín, la viola penetró también en el templo para apoyar las voces y muy particularmente para las de tesitura grave. Wikipedia

Wolf, en su interesante Historia de la Música (Editorial Labor), subraya la importante aportación inglesa en el terreno de la música para viola:
Introducido dicho instrumento en aquel país probablemente con la música vocal italiana, sirve al principio, como sucedía en Italia, para apoyar las voces del conjunto en obras vocales religiosas o profanas. Publícanse madrigales que llevan la indicación apt for viols and voices. Con el madrigal se introdujo seguramente también la viola en la sociedad. En ninguna casa de la buena burguesía faltaba el conjunto de violas, que constaba casi siempre de seis instrumentos: contraltos, tenores y bajos, colocados en la antesala a disposición de las visitas que se aguardaban. Ya se ha dicho que se consideraba formar parte de una buena educación el saber encargarse a primera vista de un papel vocal en el conjunto del madrigal; era completamente imprescindible de toda educación refinada y distinguida un dominio artístico de la viola que permitiese en todo momento colaborar satisfactoriamente en el conjunto de cámara.

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Viola

La viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y proporciones más variables. Su tesitura se sitúa entre los graves del violín y los agudos agudo sonido del violonchelo y el contrabajo. Es considerada como el Contralto o el Tenor Dramático de la familia de las cuerdas.

Las cuerdas de la viola están afinadas en intervalos de quintas: do, sol, re, la (siendo do la más grave).

Al intérprete se le llama «viola» o «violista» (esta última palabra no está registrada en el Diccionario de la Real Academia pero sí aparece en diccionarios de uso).[1 Wikipedia

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Vina

La vina es un instrumento de cuerda empleado en la música de India. Existen varios tipos de ese instrumento emparentado con la sitar, mismo que forma parte de la familia del laúd.

Los diseños de las vinas han evolucionado por años, y han adquirido las más diversas formas. En nuestros días, el tipo más popular es el conocido como vina saraswati. Esta posee treinta y cuatro trastes, cuatro cuerdas principales que atraviesan todos los trastes y son pulsadas con las yemas de los dedos. Además cuenta con tres cuerdas auxiliares, las cuales pasan sobre un puente arqueado o son empleadas para la producción de acompañamiento rítmico.

Para tocar la vina, sus intérpretes deben sentarse cruzados de pierna y colocar el instrumento frente a ellos. La pequeña caja de resonancia debe descansar sobre la pierna izquierda, el brazo izquierdo debe pasar con la mano cruzada por debajo del brazo del instrumento, de modo que los dedos queden girados hacia rriba para pulsar las cuerdas. El cuerpo principal de la vina debe descansar sobre el piso, y es parcialmente soportado por el muslo derecho. La mano derecha del ejecutante puntea las cuerdas para producir melodías.


La patrona hindú de los aprendices de las artes, la Madre Saraswati, casi siempre aparece en la iconografía, pulsando una vina.

Otras variaciones de la vina son las llamadas rudra, mahanataka, vichitra y gottuvadhyam —también llamada chitra—.

Mohana vina es el nombre que se da a una guitarra modificada, inventada y popularizada por el pandit Vishwa Mohan Bhatt, y casi siempre se la ubica erróneamente como parte de la familia de instrumentos tradicionales de la India. wikipedia

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Tipos de Ukeleles y afinación

Existen cuatro tipos de ukelele según la tonalidad: Barítono (el de sonido más grave), tenor, concierto y soprano.

La afinación de las cuatro cuerdas, viendo al instrumento de frente y de derecha a izquierda es la siguiente:

  • Ukelele soprano y de concierto: La, Mi, Do y Sol (agudo) o Si, Fa#, Re y La (agudo). Ésta última, es la inversa de la afinación del cuatro venezolano, lo que podría prestarse a confusiones.
  • Ukelele tenor: La, Mi, Do y Sol.
  • Ukelele barítono: Mi, Si, Sol y Re (esta afinación es idéntica a la de las primeras cuatro cuerdas de una guitarra).
La afinación se representa en el pentagrama de acuerdo a la siguiente figura. wikipedia

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Ukelele

El ukelele (originariamente ukulele) es un instrumento de cuerdas pulsadas, tradicional de las islas Hawai, Tahiti y la Isla de Pascua, (Chile). Es un pariente cercano del cavaquinho portugués, del que en realidad es una adaptación hawaiana.

Este pequeño instrumento fue muy popular en la primera mitad del siglo XX, y es un elemento fundamental en la música tradicional hawaiana. El ukulele también ha sido incorporado en los conjuntos de otros géneros musicales, desde la canción popular al jazz, y puede aportar un aire humorístico o exótico.

Ampliamente utilizado en los Estados Unidos, el ukulele fue también el primer instrumento con el que varios artistas contemporáneos de ese país y del Reino Unido accedieron al mundo de la música. Entre todos ellos habría que citar a Tiny Tim, Vic Chesnut, Dick Dale, Jimi Hendrix, Artie Shaw, Neil Young, George Harrison, Paul Mccartney, George Benson y Brian May, entre otros.

En España cabe destacar la importante aportación del polifacético Eduardo Ugarte, que popularizó el uso del ukelele en este país. Wikipedia

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Tololoche

El tololoche es un instrumento tradicional del norte de México. Es en realidad una versión ligeramente más pequeña del contrabajo europeo, respetando lo grande del instrumento para producir sonidos bajos. Tiene usualmente 4 cuerdas, se toca sin arco y se puntea con los dedos. Su uso en la Música Clásica es nulo, por ser un Instrumento regional.

Generalmente el tololoche está construido de madera de pino para el brazo y caobilla en la caja, a diferencia del contrabajo. El instrumento tiene 4 cuerdas, cuya afinación es de "La" (sonido más grave), "Re", "Sol", "Do" (sonido más agudo).

En el norte de México se utiliza para acompañar a los músicos Taca Taca, en música norteña; las cuales se tocan con acordeón, tarola, tololoche, saxofón, y bajosexto. Es también utilizado por los músicos que tocan en bares y cantinas de ciudades del norte del país.

También recibe el nombre de chicoteado porque es el sonido que produce al vibrar la cuerda, como si un látigo hiciera un sonido. Muchas veces se alterna la nota chicoteada con dos golpes con la palma de la mano para producir un golpe de percusión, mientras que otros, prefieren golpear la caja como si fuera un cajón peruano, creando un tipo de música donde aveces no hay batería alguna que acompañe la música


la diferencia del contrabajo y el tololoche es practicamente que este ultimo es mas percusivo, su sonido no existe con arco, utiliza en realidad 3 cuerdas para tener mas espacio entre los dedos y asi poder jalar la cuerda. su peso es ligero debido al material, sus maderas varian y son corrientes por el uso en el area de trabajo(cantina) lleva un alma debajo del puente en la cuerda de sol la cual vibra y envia todo el sonido atravez de la barra armonica las maderas fuertes estan en el diapason y el puente de arriba la madera del diapason en los estados del noroeste del pais son mezquite y quinilla. para el puente de arriba es palofierro. para el resto del tololoche se usa el pino

el tololoche se decora con adornos por la orilla de los lados con cedro y pino alternando colores, asi tapa el error de construccion y protege en caso de un accidente

en relacion ala varilla que tiene debajo esta es fija, hecha con madera de palo de escoba , esta fija y al final contiene un tapon material de plastico de las muletas para invalidos

Las cuerdas antes se hacían de intestino de gato. Después se usaron las entorchadas cuerdas de metal con nylon.

El instrumento se hace y trabaja sin maquinaria eléctrica, sólo gubias, formones, martillos, pegamento, berbiquíes y serrucho.

El tololoche ya está en vías de extinción, sustituido por los instrumentos eléctricos que ofrecen muchas y muy diversas opciones, aunque varios grupos e incluso compositores, lo han vuelto a usar. También su uso es constante en rondallas y grupos acústicos pequeños, por su gran movilidad. Wikipedia

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Timple

El timple es un instrumento musical de cuerdas típico y originario de las Islas Canarias. Al estilo de otros instrumentos de cuerda, especialmente de Suramérica y Caribe, a modo del "Cuatro" venezolano, el timple posee unas dimensiones reducidas, de unos 38-40 centímetros apróximadamente. Generalmente son de cinco cuerdas, si bien en algunos casos de cuatro cuerdas. La caja de resonancia estrecha y abombada por debajo denominada joroba, y que le recibir al instrumento la denominación de "camellito sonoro". La afinación del timple puede ser variante dependiendo de para qué se use y quién sea el intérprete, pero la afinación más usada del instrumento es RE, LA, MI, DO, SOL.

Tiene un origen incierto, con diversas influencias europeas y americanas. En la actualidad está presente en todas las Islas Canarias, siendo parte integrante esencial de las agrupaciones del Archipiélago, si bien históricamente ha tenido un uso más extendido en las islas occdidentales de Gran Canaria, Fuerteventura y Lanzarote, siendo menos utilizado en las restantes y casi desconocido en las islas de El Hierro y La Gomera (que mantuvieron los instrumentos musicales más ancestrales como son el pito, la chácara y el tambor).

En sus inicios era un instrumento de acompañamiento para los grupos de tocadores, si bien, su especial sonoridad y forma muy particular de rasgado, le ha configurado una importancia propia hoy en dia. En la actualidad se utiliza en todo tipo de formaciones musicales para interpretar desde música barroca a música contemporánea pasando por el jazz o el pop y las tunas.

Existen numerosos timplistas de reconocido prestigio en Canarias, y fuera de Canarias, si bien los más destacados son Alguno de sus intérpretes más conocidos son Totoyo Millares por su larga trayectoria de difusión del timple, junto a tres grandes figuras del timple actual como son José Antonio Ramos, timplista de Gran Canaria más importante de la historia reciente de Canarias y fallecido en 2009, el majorero Domingo Rodríguez Oramas "El Colorao" y lanzaroteño Benito Cabrera. Otras jóvenes promesas del timple canario son Beselch Rodríguez, Yone Rodríguez, Pedro Izquierdo, Germán López, Abraham Ramos Chodo y Abraham Ramos Sanchez.

La fabricación del timple es artesanal, existiendo afamados artesanos timplistas, cuyas producciones son especialmente demandadas para las agrupaciones folclóricas y timplistas profesionales, principalmente afincados en las islas de Gran Canaria y Lanzarote, entre los que se encuentran Francisco Fariña, Carlos Felix, Francisco de Rosa, Kima, David Sanchez, Rijó, Quiquí, Vicente Corujo ,etc.

Existe una amplia literatura sobre el timple, especialmente de métodos de enseñanza, realizados principalmente por profesores de música, si bien los principales timplistas han realizado sus propias publicaciones (Ramos, El Colorao, Cabrera,...). Tambien existe publiciones de partituras, así como de investigación histórica del instrumento canario.

Hoy en dia ha tenido gran aceptación entre los músicos profesionales y orquestas, iniciándose su expansión internacional, especialmente por América, con la especialidad de su sonido. Se encuentra en trámites su aprobación para la enseñanza oficial en los Conservatorios de Música de Canarias.

Aunque tradicionalmente a todos los instrumentos derivados del timple original de 5 cuerdas y longitud de escala soprano, se les ha llamado timple; en los últimos años la proliferación de diferentes longitudes de escala disponibles a complicado la situación un poco. Para liarlo más, los luthiers no se ponen de acuerdo en unas medidas "estándar" para la longitud de escala o tiro, sino que cada cual utiliza una medida que considera apropiada. Realmente el problema radica en la falta de elección de cuerdas para timple que permitan encordar el mismo instrumento con varias tensiones a gusto del músico. Así por ejemplo un constructor considera que una escala de 38,5 cm está bien para un timple de concierto porque tiene una tensión media a la hora de tocar, mientras que otros llegan a 39 cm para conseguir más tensión en las cuerdas y facilitar el punteo al músico. En algunos casos se ven timples de 41 cm que al ser afinados en Re adquieren una tensión de cuerdas significativa y mut apreciada por músicos como "El Colorao".

En resumen, mientras el mercado no se estabilice y sobretodo hasta que no haya ventas suficientes, a las pocas marcas que existen no les interesa investigar el tema. Por nuestra parte, con el tiempo tenemos la esperanza de poder cumplir este requisito, pero debido a las grandes cantidades de cuerdas necesarias en cada pedido, se hace un poco dificil amortizar la inversión en nuevos juegos especiales.

Como muestra un botón, y aquí van los calibres empleados por algunos constructores según la longitud de escala de cada timple:

Timple soprano: los timples clásicos con longitudes de escala de menos de 38 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen muy poca tensión cuando se afinan en Re, tal vez agradecerían afinar un tono o medio tono más agudo. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon.

Timple de concierto: timples con longitudes de escala de 39 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen una tensión buena en Re. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon. En los timples de escala 41 cm, se debe pensar que es como si añadiéramos un traste más en el tado de la pala, por lo tanto la sensación de tensión afinado en Re es la misma que si afináramos un timple de concierto medio tono más agudo; en resumen con las mismas cuerdas afinando en Re obtenemos una tensión alta.


Timple tenor: algunos timples modernos con longitudes de escala de 43 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen muchísima tensión cuando se afinan en Re, y la recomendación es afinarlos un tono más grave. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon. En este caso, desde Rivero estamos investigando unos nuevos calibres que harían este timple afinable en Re con una tensión media, siendo el instrumento ideal para punteo.


Timple barítono: Muy de moda desde hace unos años por su sonido grave y potente, en estos instrumentos hay longitudes de escala tan dispares como 45 (Agrícola), 46.2 (Kiman) y 48 (Fariña). La intención de todos estos instrumentos es acompañar y llenar un hueco existente entre el timple y la guitarra, siendo el rango similar a la vihuela mexicana. Normalmente afinados en La, en los dos primeros casos se recomienda 1ª y 4ª primera de guitarra/ 2ª y 5ª segunda de guitarra / 3ª tercera de guitarra; y es la encordadura lógica si se tiene en cuenta que el 5º traste de una guitarra es una nota La en la primera cuerda y se corresponde más o menos con 46 cm de escala. En el caso de 48 cm, Fariña me ha confesado que utiliza 1ª y 4ª nylon 0,65/ 2ª y 5ª primera de guitarra entorchada / 3ª segunda de guitarra entorchada. Wikipedia

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Cuerdas, construcción, técnica del sitar

Todas las cuerdas se pulsan con una púa ("mizrab") situada en el dedo índice, excepto las simpáticas, que eventualmente se tocan con el dedo meñique. El "sitar" tiene un total de 18 a 26 cuerdas de acero: 4 cuerdas para la melodía, 3 que proporcionan el acompañamiento armónico y rítmico, y entre 11 y 19 cuerdas afinables que vibran por simpatía y con su resonancia añaden cuerpo y textura al sonido (aunque en ocasiones pueden ser pulsadas con el meñique, como se dijo antes).


El sitar es algo más pequeño que el antiguo vina, el otro instrumento de cuerda importante de la India. Está fabricado con dura madera de teca. El mástil recto lleva un diapasón mucho más ancho que el de la guitarra, con entre 16 y 20 trastes móviles de latón o plata, de curva suave, que son colocados por el instrumentista para temperar la escala que dichos trastes producen. Según el raga (modo melódico que se inspira en un tema poético) que se vaya a interpretar,el instrumentista afinará de distinto modo las cuerdas de simpatía (las cuales, al ser tocadas con el meñique, producen la peculiar cascada de notas, tan característica de la música india). En el extremo inferior del mástil posee una caja de resonancia de calabaza curada. Algunos sitáres vienen con otra caja de resonancia más pequeña, también de calabaza, situada debajo del extremo superior del mástil. Actualmente, muchos sitares tienen la segunda calabaza fabricada en madera torneada, imitando a la susodicha hortaliza. Como pegamento, se suelen utilizar las tradicionales colas basadas en mucílagos de plantas( de la familia de la chirimoya) o bien de luthier ( basadas en pescados, huesos,etc),todo ello reforzado con clavos confeccionados a partir de astillas de caña. Wikipedia

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Historia del sitar

Se cree que fue introducido en India desde Persia durante el periodo mogol (a lo largo de la franja de la antigua persia abundan instrumentos de nombre y diseño muy relaccionados con el actual sitar:tar,sehtar, etc.). Otros musicólogos atribuyen su invención a Amir Jusru, importante músico cortesano musulmán del siglo XIII. Wikipedia

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Sitar

El sitar es un instrumento musical indio, de cuerda pulsada, de arquitectura similar a la de la guitarra, el laúd, el banjo, etc. Se identifica por su sonido metalizado y sus glissandos.

El sitar es un instrumento versátil con sonido delicado y brillante, apropiado para expresar el lento desarrollo de los ragas así como para servir a la interpretación virtuosa. Wikipedia

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Representaciones de la Sinfonía

  • Catedral de León, siglo XIII
  • Se la menciona en numerosos romances, versos, miniaturas y códices medievales como:
"Qui sonnoient moult doucement
Chyffonies et monocordes".
... poema anónimo del siglo XIV
"La douceur de la symphonie"
... de un poema de Guillaume de Machaut
Cantigas de Santa María, Cantiga 160
... Alfonso X El Sabio sXIII
Es la primera cita conocida en castellano de la viola de rueda.
... El plut de los juglares era fiera riota
Y havié sinfonía, farpa, giga e rota ... (verso 1545)
del Arcipreste de Hita, incluye algunos instrumentos entre los que no son aptos para
la música arabiga:
... Arábigo non quiere la vihuela de arco,
Sinfonía, guitarra non son de aqueste marco ... (1516)
Juan de la Encina, cita la sinfonía entre los instrumentos de gran aprecio.
  • En el manuscrito de organología Musica Getuscht Und Ausgezogen (Basilea, 1511), de Sebastian Virdung, figura un grabado de la zanfona de cuatro cuerdas y clavijero en ángulo recto a la que llama Lyra. Wikipedia
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Afinación de la sinfonia

En Sinfonías primitivas, las teclas se distribuían siguiendo la Afinación pitagórica, pero en instrumentos posteriores la afinación variaba ampliamente; para adaptarse más fácilmente a otros instrumentos tocados al unisono el más común era el Afinado justo, sistema de afinación en el que un intervalo, usualmente una octava, se divide en siete pasos con la misma relación de frecuencia.

Además del afinado clásico mediante las clavijas, para lograr una entonación y calidad de sonido apropiadas, tal como muestran diversas representaciones, se utilizan dos técnicas, algodonado y shimming, relacionadas entre sí ya que ambas afectan a la geometría de las cuerdas del instrumento y a su timbre.
En el algodonado, la superficie de cada cuerda en contacto con la rueda, se envuelve en algodón impregnado en resina. El algodón en la cuerda melódica tiende a ser en pequeña cantidad y mayor en los drones.
La rueda al girar distribuye uniformemente el algodón aplicado en la cuerda; una distribución inadecuada tiende a producir un sonido áspero.

Algunos autores indican que se pueden aplicar fragmentos de papel entre la cuerda y el puente, el shimming, para modificar ligeramente la distribución de las cuerdas. Con esta técnica se ajusta la altura de cada cuerda, en especial las melódicas, respecto a la rueda.

Para obtener un sonido uniforme, el contorno de la rueda se impregna en resina.

Considerando que la Sinfonía desciende del organistrum, es lógico pensar que su afinado para uso en el canto litúrgico sería similar a este instrumento, en órganum parallelo, es decir tocando en paralelo, a la octava, quinta y cuarta, añadiendo a la voz principal, la voz organal. Una cuerda melódica en SOL, un bordón en sol una octava por debajo y otro en re a la cuarta por debajo.

Debido al material de las cuerdas, la Sinfonía es un instrumento muy sensible a los cambios de temperatura y humedad, por lo que precisa frecuentes afinaciones. Wikipedia

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Elementos de la sinfonia

  • Caja de resonancia, su función la realiza la caja del teclado, plana por ambas tapas.
  • Rueda, al girar frota las cuerdas haciéndolas vibrar.
  • Manivela, permite hacer girar manualmente la rueda.
  • Teclado, dispone de teclas pulsadas con tangentes que permiten modificar la longitud de las cuerdas, variando así la frecuencia del sonido; puede ejecutar una escala diatónica. Las teclas vuelven a su posición por gravedad, ayudadas por la vibración de las cuerdas.
  • Cuerdas, posiblemente se utilizara el material habitual en la Edad Media, tripa retorcida o nervio de animal, de aproximadamente 1 mm. de grueso para la cuerda melódica y 0,6 mm. para los drones.
  • Puente, de madera dura y fijado a la base; en la Edad Media todavía no se conocía el puente móvil.
  • Clavijas, permiten afinar el instrumento. Wikipedia
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Características de la sinfonia

Es un instrumento de morfología rectangular. Se le considera una evolución del organistrum, facilitando la movilidad y uso por una sola persona al disminuir su tamaño prescindiendo de caja de resonancia independiente, función efectuada por la caja del teclado.
El sonido se produce mediante cuerdas frotadas por una rueda accionada manualmente mediante una manivela.
Dispone de teclado, que facilita aprender e interpretar la música.

Una de las características que más la diferencia de otros instrumentos que usan la rueda para generar sonido, es que esta se encuentra completamente contenida dentro de la caja del teclado, posiblemente para hacer el instrumento mecánicamente más robusto y facilitar el desplazamiento.

Normalmente tiene 1 cuerda melódica y 2 bordones.

Sus dimensiones aproximadas son:

Longitud total: 85 cm.
Alto:15 cm.
Ancho:18 cm.
Longitud de cuerda vibrante:62 cm.


Se le considera un instrumento de sonido bajo (grave).

Este instrumento no ha evolucionado con el tiempo, siendo sustituido en el siglo XV por la zanfona, técnicamente más avanzada, fondo curvado como un laud y mayor número de cuerdas. Wikipedia

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Historia de la sinfonia

Para la antigua Grecia, Symphonia indicaba la consonancia perfecta, es decir la octava.

En el medioevo el termino Sinfonía era el opuesto a diafonía, la primera indicaba consonancia, la segunda disonancia.

Pitágoras usó el término en el siglo VI a. C. para designar un instrumento, mientras que su uso para referirse a un grupo de instrumentos funcionando al unísono se encuentra en el siglo VI 'Hymni Homerica, ad Mercurium 51'.

A pesar de su uso en la Antigua Grecia, no hay evidencia del uso de estos instrumentos en Mesopotámia durante el periodo Neo-Babilónico, donde podría haber sido utilizado por Daniel, y su mención en el libro se toma generalmente como un anacronismo.

Hay tres palabras griegas en el Libro de Daniel utilizadas en instrumentos musicales que han sido consideradas como evidencia de su uso por el profeta.
Rowlings cita 'Symphonia' como usada durante el siglo II a. C., aunque estudios modernos indican un uso mucho más antiguo, aplicada a un instrumento especifico y como termino que hacía referencia a un grupo de instrumentos tocados al unísono.


Sinfonía aparece en los escritos de San Isidoro de Sevilla, haciendo referencia al tambor:

Tympanum est pellis vel corium ligno ex una parte extentum. Est enim pars media symphoniae in similitudinem cribri. Tympanum autem dictum quod medium est. Unde, et margaritum medium tympanum dicitur, et ipsum ut symphonia ad virgulam percutitur.

La referencia comparando el tympanum a una media perla se tomó de Plinio (Nat. hist. IX. 35, 23).

Symphonia o Chifonie se aplicó durante los siglos XIII y XIV a la zanfona, especialmente en los países latinos.

Symphonia fue aplicado por Praetorius a un instrumento clasificado como Clavicordio, Espinete, Regalía y Virginal, pero sin determinar ninguna de sus características.

La Sinfonía aparece citada en las epistolas de Boncompagno de Signa (1230) con indicaciones para el juglar que la toca:

De liratore vel symphonatore: Litteras nostri sigili munimine roboratas vestre duximus amicitie destinatas, rogantes ut latori presentium. E. Remunerationem vice nostra sicut expedit conferatis, scientes quod hic novis cantare cum lira et tangere mirabiliter symphoniam.

SYMPHONATORE, Juglar que toca la sinfonía.

La zanfona también se menciona en El libro de Alexandre verso 1545 (s XIII) y el Libro del Buen Amor versos 1233 y 1516 (1330 )

Una de las primeras representaciones conocidas de este instrumento es una miniatura de la Cantiga 160 de las Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio, Códice de El Escorial (1221-1284).

Este instrumento aparece mencionado en el Diccionario Enciclopédico de la Lengua Española, Gaspar y Roig de 1870, bajo la voz Gaita, en la que entre otras acepciones lo describe como:

Instrumento músico a modo de un cajón, más largo que ancho, con cuerdas, que hiere una rueda que está dentro, la cual se pone en movimiento a impulso de una cigüeña de hierro; a un lado tiene varias teclas, que pulsándolas con la mano izquierda, forman las diferencias de los tañidos.

También figura en Historia de la Música, 1909, de Henry Lavoix (hijo), que lo encuadra en los instrumentos del siglo XIII del tipo de cuerda de arco del genero Gaita, con rueda y manubrio.

Decae a lo largo del siglo XIV, como consecuencia del auge del Ars Nova, cuyos ritmos melódicos no podía interpretar.
Desaparece en el siglo XV, siendo sustituido por la zanfona (fr. Chifonie, Viola de roue, en: hurdy gurdy).

Se utilizaba:

  • En la liturgia religiosa dentro de los monasterios y catedrales.
  • En canciones religiosas, Cantigas de Santa María (siglo XIII).
  • Canciones profanas, tanto de amor como eróticas, Carmina Burana (siglos XII y XIII)

Debido su forma sencilla, modernamente ha sido reproducida profusamente tanto por grupos profesionales como por entusiastas particulares de este tipo de música.

A este instrumento se le considera sucesor del organistrum y antecesor de la zanfona Wikipedia

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Sinfonía (instrumento musical)

Sinfonía, también conocida como Chifonía (fr: Chifonie, en: hurdy gurdy) (del latín Symphonia y griego συμφωνíα), significa que une su sonido de forma acorde. También es conocida como viola de rueda, zanfona o cinfonia. En el contexto musical, es un instrumento de música medieval usado durante los siglos XIII y XIV para acompañamiento del canto sacro que pertenece al grupo de los Instrumentos de cuerda frotada.

Symphonia aunque utilizada habitualmente para nombrar el instrumento de cuerda frotada, también se aplicaba al tambor medieval.
Juan de Trevisa en su Las propiedades de las cosas, traducción de De Propietatibus Rerum de Bartolomeus Anglicus, menciona:

La symphonia, ... tronco hueco cerrado con cueros ... se golpea con macillos.

A diferencia del organistrum, fue usada principalmente en el entorno profano, para acompañar música culta y en círculos populares para música de danza. Wikipedia

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Construcción del shamisen

El shamisen posee un largo similar a una guitarra, pero su cuello es más delgado. Su cuerpo rectangular se asemeja a un tambor, que es conocido como un , el cual está cubierto con piel de forma similar a un banjo, y eso amplifica el sonido de las cuerdas. La piel es usualmente de serpiente, pero en el pasado se utilizaron varios tipos de papeles, y recientemente, se ha intentado con algunos plásticos.

Las tres cuerdas son hechas tradicionalmente de seda, o más recientemente, de nylon. Pasadas por partes más bajas crea un sonido conocido como sawari, que se asemeja al zumbido producido por un cítara, el cual es llamado jawari. La parte superior del dō se encuentra siempre protegida por una cubierta conocida como dō kake, y los músicos regularmente usan una pequeña banda que permite deslizar la mano arriba y abajo por el cuello. Esta banda se conoce como yubi kake. Por último, en la cabeza del instrumento existe una cubierta conocida como tenjin. Wikipedia

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Shamisen

Un Shamisen o samisen (三味線?), también conocido como sangen, es un instrumento musical de cuerda. Este instrumento posee tres cuerdas y debe ser tocado con una uñeta llamada bachi. La pronunciación en japonés es "shamisen", pero en la época de Edo era conocido como "samisen". Sin embargo, algunas veces "jamisen" es usado como un sufijo, por ejemplo Tsugari-jamisen. Wikipedia

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Salterio

El salterio es un instrumento de cuerda pulsada o a veces percutida que consiste en una caja de resonancia sobre la que se extienden las cuerdas, que son pulsadas por los dedos o percutidas con palos. El percutor puede ser una varilla metálica o de madera que golpea una cuerda creando melodías (como en el caso de la celesta, cítara, santur persa o bien un grupo de cuerdas creando un acompañamiento rítmico.

En la música tradicional del norte de Aragón, Navarra, Comunidad Autónoma Vasca, País Vasco francés y el Bearn el músico toca a la vez el chiflo o txistu con la mano derecha mientras que con la izquierda se toca el chicotén (Aragón) o txun-txun (País Vasco y Navarra)[cita requerida]. En Aragón se ha conservado en uso el Chicotén de manera que las melodías y técnicas para tocarlo se han mantenido hasta nuestros días. Wikipedia

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Requinto venezolano

También posee doce cuerdas hechas de acero, distribuidas en cuatro órdenes triples. Se le suele llamar guitarro, guitarro primo ó primo. Se usa para acompañar la música andina venezolana. Su afinación es la de su similar colombiano, con la diferencia de que la tercera cuerda de cada orden está afinada una octava más baja que las otras dos. Otra afinación alterna es: Si, Fa#, Re, La. Sin embargo, en el primer orden todas las cuerdas están afinadas igual, y en los restantes órdenes, la tercera cuerda está afinada una octava más baja. Curiosamente, esta última es la misma afinación (pero en sentido inverso) del cuatro venezolano. Wikipedia

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Requinto peruano

Como su similar colombiano, posee doce cuerdas hechas de acero, aunque distribuidas en seis órdenes dobles. Se usa en la ejecución de la música típica de Perú. La afinación de este cordófono es: Si, Fa#, Re, La, Mi, Si. Es interesante hacer notar que la afinación de los cuatro primeros órdenes es la inversa del cuatro venezolano. La separación entre notas entre un orden y su vecino, en este caso, es de una quinta. Wikipedia

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Requinto mexicano

Posee seis cuerdas, y tiene una forma similar a la de la guitarra, aunque de menor tamaño. La afinación es similar a la de la guitarra con capotrasto en el quinto traste. Por lo tanto, la afinación del requinto es A (la), E(mi), C (do), G (sol), D (re) y A (la). Se utiliza principalmente para a interpretación de boleros, trova yucateca y sones istmeños. También la quinta huapanguera es conocida minoritariamente como requinto. Usa acordes de guitarra.

Requinto jarocho

Tipo de guitarra pequeña mexicana de 4 o 5 cuerdas, usada en son jarocho. Wikipedia

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Requinto colombiano

Posee doce cuerdas hechas de acero, distribuidas en cuatro órdenes triples; antiguamente tenía 10 cuerdas, dos triples y dos dobles. Con él se interpreta la línea melódica en un conjunto. Aunque se puede puntear con los dedos, por velocidad se usa el plectro. Se usa en la ejecución de ritmos típicos colombianos como bambucos, guabinas, pasillos, torbellinos y música carranguera. Su afinación (de agudas a graves) es Mi, Si, Sol y Re, la cual coincide con las cuatro primeras cuerdas de la guitarra. Inicialmente se afinaba un tono más bajo; es decir, Re, La, Fa y Do. El primer orden se afina una quinta por debajo con respecto al segundo, o una segunda por encima del cuarto. Wikipedia

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Requinto argentino

Es similar al mexicano. Es una guitarra clásica (a veces más pequeña) afinada como con cejilla en el 5º traste (de ahí proviene el nombre). Por lo general usa las cuerdas estándar de guitarra repitiendo en la 1ª y la 2ª la cuerda más fina y llegando a la la 6ª con una cuerda normal de 5ª; también se emplea una cuerda más fina de arpa para la 1ª. Su afinación es (de agudos a graves) la, Mi, Do, Sol, Re, La. Se utiliza generalmente en el folklore para melodías y solos porque su registro más "cantable" lo hace muy adecuado. Wikipedia

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Requinto aragonés

Es un instrumento de la familia de la guitarra, también llamado guitarrico, de tamaño menor que aquella y que posee cuatro cuerdas de tripa (o nailon en facturas modernas), aunque también se denomina requinto al guitarro o guitarrico de cinco cuerdas, un instrumento muy cercano a la guitarra barroca y que posee su misma afinación. También existen las denominaciones guitarró o guitarreta.

El requinto, guitarro o guitarrico es uno de los instrumentos habituales en la rondalla o conjunto instrumental propio de la jota aragonesa, aunque su número suele ser reducido e incluso haber uno solo, que desempeña una función rítmica de tesitura aguda. Uno de sus intérpretes más célebres fue el legendario y también cantador de jota Mariano Malandía, el «Tuerto de las Tenerías».

Las dos posibles afinaciónes de este requinto son: 1ªcuerda SI - FA# - RE - LA - MI

LA - MI - DO - SOL - RE

La primera afinación tiene un sonido más brillante. Este instrumento tiene como particularidad el que los acordes se tocan de forma inversa a la guitarra convencional es decir: Cuando se toca una posición de acorde de LaM en el requinto se obtiene el mismo sonido que un Mi M tocado en la guitarra, y asi sucesivamente en la mayor parte de acordes mayores (no todos). Wikipedia

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Requinto

El requinto es el nombre genérico de una serie de instrumentos cordófonos similares a la guitarra, aunque de menor tamaño, cuyas características varían de acuerdo con la región. Wikipedia

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Los cantares y las coplas del rabel

Las jotas cantando coplillas con un tono subido son lo más típico en este instrumento, y por denominación moderna se las conoce popularmente como "rabeladas".

Con este instrumento se tocan jotas en todas sus variantes (a lo pesao, etc), así como bailes binarios como por ejemplo los "bailes a lo ligero" o "titos"(por la zona de Riaño y Oeste de la Montaña Palentina), y cómo no, lo más representativo de su repertorio: Los romances. Romances que si bien muchas veces son localistas, por lo general (y con sus lógicas variedades comarcales o personales) suelen ser los mismos temas, sirviendo de ejemplo universal el conocido como La Loba Parda, donde se narran los hechos acontecidos a una loba vieja que es sorprendida por los perros pastores robando una oveja del rebaño, y que es cantado por todas las rutas de la Trashumancia al son del rabel, desde Extremadura a Los Picos de Europa, y desde Madrid hasta La Rioja.

Son siempre melodías sencillas, que se adornan según el gusto del rabelero, y que suelen abarcar por lo común una extensión de 5 notas a lo sumo (experimentados instrumentistas tradicionales llegan a tocar 6, aunque hoy en día muchos son los que sabiendo tocar otro instrumento de cuerda se pasan a éste y logran sacar de él auténticas escalas) y en determinadas ocasiones, en los instrumentos donde esta aparece, al usar la segunda cuerda como cantante, se pueden llegar a extraer otras 3 o 4 notas más aparte.

Las agrupaciones de métrica musical más extendidas vienen por regla general estipuladas por el uso del troqueo o trocaico, yambo y de los tetracordos, que es lo que confieren esa particularidad común al instrumento sea cual sea su procedencia y que le confiere su peculiar e inconfundible característica sonora. Wikipedia

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Rabelistas, rabeleros y bandurrieros populares

Un rabel, tradicionalmente en aquellas zonas donde se conoce su uso, se toca en dos estilos: Uno apoyado en el hombro-pecho, o sobre las costillas, y generalmente de pie, que sería el estilo campurriano (de Campoo). y otro sentado apoyando el instrumento entre las piernas, que sería el estilo purriego, de Polaciones. Uno de los rabelistas más reconocidos de todos los tiempos ha sido el purriego Pedro Madrid, el cual ha pasado a la historia. Este músico modificó la tipología y sonoridad del rabel realizando grandes avances que ahora emplean sus predecesores.

De entre los rabelistas de Cantabria y Palencia ya fallecidos, alcanzaron gran popularidad Pedro Madrid (ya nombrado), Antonio López Morante, conocido por Lin, el airoso, Donato Muñoz o Paco Sobaler.

El legado de estos rabelistas se conserva y difunde gracias, entre otros, al trabajo de la "Escuela Municipal de Folklore de Torrelavega" por parte del rabelista Esteban Bolado o la Asociación de Rabelistas Campurrianos, localizada en Reinosa, desde donde personas como Tomás Macho, Alberto Terán, Julio Arribas, Alfonso Ahumada, Jose Luis Robles y otros, mantienen el gusto y el cariño por el uso del instrumento. O también existen otros lugares por la provincia de Cantabria donde existen este tipo de escuelas.

Así también, trabajan en la recuperación y difusión del rabel las personas del Albergue de Olea, cercano a Reinosa, donde se han celebrado interesantes encuentros musicales en los últimos años, con la edición de discos y vídeos incluidos. A lo que hay que sumar la enseñanza, con criterio dispar, de interpretación al rabel en diferentes escuelas de música tradicional de Cantabria.

En el Museo Etnográfico de Cantabria, en Muriedas, en el de El Pajar, en Proaño, y en la casa del rabel, en Quintana de Toranzo, se encuentran algunos ejemplares de rabeles interesantes. Algunos de estos instrumentos fueron estudiados a mediados de la década de 1970 por Fernando Gomarín. Wikipedia

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