miércoles, 30 de junio de 2010

Organistrum

El organistrum es un instrumento de música medieval empleado como acompañamiento de la música sacra; pertenece al grupo de instrumentos cordófonos frotados.

La palabra organistrum es una contracción de los términos latinos organum (una de las primeras formas musicales contrapuntísticas de la historia), e instrumentum (‘instrumento’).
Era un instrumento que se utilizaba exclusivamente para acompañar el organum vocal.
Posiblemente fue usado en el entorno religioso principalmente en círculos monásticos para estudiar y componer música. Wikipedia

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partes del n'goni

El instrumento consta de dos partes: la caja de resonancia y el mástil.

  • La caja de resonancia suele ser confeccionada con calabazas gigantes de la zona, vaciadas, pulidas, embellecidas y/o barnizadas (se suelen escoger las más redondas). A la calabaza se le coloca una piel, habitualmente de cabra, que puede haberse curtido o no, lo que genera grandes diferencias entre los sonidos resultantes de ambas técnicas. Los n'goni con la piel curtida sobre la tercera parte de la circunferencia que ha sido cortada, creando una especie de cúpula. La piel se fija con lo que más a mano tienen, habitualmente chinchetas. Sobre ésta se ubica un puente de madera, sujeto a la calabaza con cuerdas, sujetas a su vez a trozos de caña cortados a lo largo.
  • El mástil es un palo generalmente de un tipo de caña especial del Río Níger, muy resistente y elástica a su vez, que atraviesa la calabaza, creando un pie que recuerda al metálico del Contrabajo, con la diferencia de que es la misma pieza que el mástil. Por la parte superior, el mástil parte de la caja de resonancia y se extiende entre 80 centímetros y 1 metro en los modelos profesionales. Las cuerdas se sujetan al mástil de las maneras más variopintas, pues aquí entra la habilidad del artesano para confeccionar el instrumento, y la finalidad del mismo, esmerándose más o menos en los mecanismos de afinación de las cuerdas. Éstas, las cuerdas, pueden ser de cuero de antílope, nylon de pescar (lo más extendido), o incluso alambre en los modelos más rústicos (y a la vez de sonido más bello). Wikipedia
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'N'goni'

El 'N'goni' o 'Kameln'goni' es un instrumento proveniente del área africana de Senegal / Malí / Burkina Faso, de 7 cuerdas, mezcla de arpa y de laúd, muy extendido entre los pobladores de África occidental. Este instrumento consta de entre 4 y 10 cuerdas, y su afinación depende de muchos factores partiendo de una escala pentatónica, cuyo tono sube o baja según la amplitud de la calabaza, las cuerdas usadas, la piel de la caja de resonancia, el artista que la toque y el estilo con que lo haga.

Este instrumento es muy popular en la República de Malí y Burkina Fasso, al ser utilizado por los griots para el canto de las historias añejas de África y sus habitantes, y se le considera una 'kora del pueblo' por tener menos cuerdas y ser más fácil de tocar.

El instrumento se ha popularizado tanto en Malí en los últimos tiempos que se ha convertido en símbolo nacional y turístico. Wikipedia

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curiosidades del monocornio

El gran éxito del monocordio se basa en que además de generar sonidos, también:

  • Muestra visualmente las proporciones mediante la escala graduada.
  • Sirve para el estudio y enseñanza teórica y práctica de la música. Se atribuye a Pitágoras y a sus discípulos (siglo VI aC) la utilización del monocordio para sus investigaciones filosóficas y experimentales.
  • Euclides, matemático griego del siglo III basó una gran parte de su geometría euclidiana en la división del monocordio a la que consagro su obra, Sectio canonis, que fue norma aceptada durante siglos.
  • El pensador León-Battista Alberti, basándose en las proporciones musicales del monocordio, escribió un tratado de arquitectura De re aedificatoria (1465).
  • La división del monocordio, proporcionó materia de reflexión a expertos en esoterismo y ciencias sobrenaturales; su simplicidad lleva implícitos los misterios de la asociación del espacio y tiempo, de lo visual con lo audible, las esferas del universo, etc.
  • Robert Fludd (1574), filosofo inglés, aplicó las divisiones del monocordio para desarrollar una visión cósmica y mantuvo una larga relación con Kepler, astrónomo alemán, que publicó el tratado Monochordum Mundi (1623).
  • Durante el Renacimiento, que trataba de restaurar la vuelta a los valores de la antigüedad, las relaciones armónicas y proporciones obtenidas de la división del monocordio eran mucho más que una simple técnica de geometría aplicada, contenían una lógica que se podía verificar y medir, y eran fuente de creación artística.
  • Modernamente se considera que una longitud de diapasón, longitud de cuerda vibrante entre ceja y puente, igual a 68 cm., ofrece la mayor facilidad de interpretación para la mano derecha. wikipedia
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Lutería

Su caja de resonancia de forma piramidal, esta formada por 3 planchas de madera de forma triangular muy alargada, con una sola cuerda de tripa.
En instrumentos posteriores se le añade una segunda cuerda afinada a una octava de la anterior.
Grabados posteriores muestran un pequeño puente móvil añadido que mejoraba la transmisión de las vibraciones a la caja de resonancia.

Según grabados de la época, el instrumento debía medir 18 dm de largo, 12 dm para el cuerpo y 6 dm para el mástil, con su base aproximadamente de 3 dm La cuerda de 16 dm de longitud, era una 4ª de bajo de tripa de animal, afinada en ut o en re.

Los grabados muestran que se tocaba con arco, apoyando el instrumento en el pecho.

Paulus Paulirinus es su Tractatus de musica, describe el monocordio:

Es un instrumento largo en forma de flauta larga interiormente cóncava con aberturas, dividida en nueve partes grabadas con nueve letras del alfabeto, de arriba abajo sobre las divisiones tiene una única cuerda de nervio, cuando se la percute con una pluma o madera y la parte anterior con la mano izquierda según las reglas del arte, permite ejecutar todas las melodías inventadas; es un instrumento ...quod del cual... llevaban casi todos los instrumentos cultos y los utilizados en la enseñanza de la habilidad musical. Boecio (fol. 162, col. 3), fue el primero que describió las investigaciones llevadas a cabo con el instrumento. Wikipedia
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monocordio en la religion

n el monocordio, el inicio de la cuerda vibrante se toma en el punto A del triangulo isósceles usado para determinar sus intervalos y el fin en el B, (ver Método geométrico para determinar los intervalos de un instrumento).
La mentalidad religiosa y cristiana de la época medieval, asoció los puntos A y B del triangulo isósceles con la idea de α (principio) y ω (fin), lo que facilitó asumir la teoría de las proporciones a la vez que la relacionaba con uno de los atributos de Dios, Dios es el principio y el fin.

Prin, último y puede ser el único virtuoso de este instrumento, según decía el mismo, obtenía sonidos de trompeta, de flauta y efectos de eco muy admirados.

Michael Praetorius en su Syntagma_Musicum_Theatrorum_Instrumemtorum (1620) [1], pág. XXXVII nº 15, muestra un monocordio utilizado en conciertos de teatro de la época [2], y en XXXIX un monocordio con divisiones [3].

En Misurgia Universalis[4], de Athanasius Kircher, publicado en 1650, Iconilmus VIII folio 487 figura VI, aparece un interesante dibujo de un instrumento de dos cuerdas con el nombre de Monochordon [5].

En 1768, J.-J. Rousseau no menciona este instrumento.

P. Calo, en Instrumentos del Pórtico de la Gloria vol.1 pág. 157 y 159 (2002), cita el monocordio como base para los policordios.

Al monocordio de grandes dimensiones tocado con arco, se le considera antecesor de instrumentos como la Trompeta marina, el violón, la rota, la giga y la viola. Wikipedia

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Pitagoras en la musica

La primera referencia escrita sobre el monocordio se atribuye a Boecio (siglo VI d. C.); según su relato:


Monocordio-Diapasón de múltiples cuerdas usado por Pitágoras para verificar la relación entre números, pesos y sonidos.
Pitágoras, obsesionado por explicar matemáticamente los intervalos, al pasar por una herrería quedó sorprendido por el sonido rítmico del golpe de los martillos en el yunque. Entró, observó y experimentó utilizando cinco martillos.
Comprobó que uno, que rompía la escala perfecta de sonidos, tenía un peso sin relación numérica con el resto, por lo que lo eliminó.
Con los restantes, obtuvo las siguientes conclusiones:
sus pesos estaban en la proporción 12, 9, 8 y 6;
el mayor (12), de peso doble del más pequeño (6), producía un sonido (una octava) más bajo que el menor.
El peso de los otros dos martillos (9 y 8) correspondía a la media aritmética y armónica respectivamente de los de peso (12 y 6),
por lo que dedujo que darían las otras notas fijas de la escala.

El monocordio fue utilizado por Claudio Ptolomeo (siglo II d. C.), famoso astrónomo y matemático que escribió Los Armónicos, tratado de referencia en musicología. Basaba los intervalos musicales en proporciones matemáticas usando la observación empírica (opuesta a la aproximación puramente teórica de la escuela pitagoriana). Presentó sus propias divisiones del tetracordio y de la octava, que obtuvo con la ayuda de este instrumento.

Posteriormente, Guido D'Arezzo (siglos X-XI), lo utilizó para la enseñanza de la música.

Paulus Paulirinus, en su Tractatus de musica (1) describe:

Monocordum est instrumentum longum in modum canne longum intus concavum habens foramen et desuper unicam cordam nervalem ...

Jacobo de Lieja (1325 d. C.), describe un cuadricordio, monocordio de cuatro cuerdas, y su longitud:

tiene una octava (12:6) entre las cuatro notas, dos quintas (12:8, 9:6), dos cuartas (12:9, 8:6), y un tono o segundo mayor entre las notas medias (9:8).

Un manuscrito del siglo XIV, de la Biblioteca Real de Bruselas muestra un grabado que representa a un rey tocando un instrumento de este tipo, el dicordio, más pequeño y con dos cuerdas. Wikipedia

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monocordio basico



Monocordio de arco.


Monocordio.
  • El monocordio básico, o monocordio tonométrico, de caja rectangular y una sola cuerda que produce un tono (octava) al tocarlo mediante un plectro o con los dedos.

Era utilizado para la enseñanza teórica y práctica de la música y como herramienta de medida, diapasón, para determinar el afinado de otros instrumentos (órganos, campanas, etc.) comparando los sonidos.

  • Un monocordio más largo y grande, también de una sola cuerda, que se tocaba con los dedos o mediante un arco.
  • El monocordio de arco, con caja armonica triángular o trapezoidal y una o dos cuerdas, que se tocaba mediante un arco. Conocido más tarde como Trompeta marina (Tromba marina en inglés).
Pitágoras (siglo VI a. C.) hizo famoso el monocordio, instrumento que utilizó para identificar y definir los intervalos musicales y en la enseñanza de la teoría pitagórica de la relación entre los números y la música; entre otras cosas demostró que la frecuencia del sonido es inversamente proporcional a la longitud de la cuerda. Wikipedia

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descripcion del monocordio

El monocordio es un instrumento largo en forma de flauta larga interiormente cóncava con aberturas, dividida en nueve partes grabadas con nueve letras del alfabeto, de arriba abajo sobre las divisiones tiene una única cuerda de nervio, cuando se la percute con una pluma o madera y la parte anterior con la mano izquierda según las reglas del arte, permite ejecutar todas las melodías inventadas; es un instrumento ...quod del cual... llevaban casi todos los instrumentos cultos y los utilizados en la enseñanza de la habilidad musical. Boecio (fol. 162, col. 3), fue el primero que describió las investigaciones llevadas a cabo con el instrumento. Wikipedia

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Monocordio

El monocordio (fr:monocorde, en:monochord), es un instrumento musical de una sola cuerda que acompañaba la monodia al unísono; puede clasificarse dentro del grupo de cordófonos pinzados y frotados.
Su nombre se deriva de los términos latinos mono = una y cordum = cuerda.
Otras definiciones de este instrumento son:

  • Instrumento de música para probar la proporción y variedad de los sonidos.
  • Instrumento antiguo con caja armónica, como la guitarra, y una sola cuerda, que se tocaba con una púa y servía de diapasón. Wikipedia
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Moonlander

La Moonlander es una guitarra eléctrica con 6 cuerdas que se tocan pulsándolas y otras 12 cuerdas que vibran por medio de resonancia armónica. El creador de este instrumento es Yuri Landman.[1] En noviembre del 2007, Yuri Landman contactó con la banda estadounidense Sonic Youth, con quienes acordó fabricarles el instrumento. Al cabo de dos meses fabricó dos copias de la Moonlander, una para el guitarrista Lee Ranaldo y otra para él mismo. Wikipedia

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Cómo funciona el moodswinger

El tercer puente divide las cuerdas en 2 segmentos con tonos diferentes. Cuando se toca la parte inversa, la guitarra suena como una campana. La cuerda resuena en mayor o menor medida según cómo la parte de atrás se toca, dependiendo de la posición del tercer puente a lo largo de la cuerda. En las posiciones nodales armónicas la cuerda resuena más que en otras posiciones. Por ejemplo, dividiendo la cuerda 1/3 + 2/3 crea una resonancia limpia, mientras al dividirla en 24/33+9/33 se crea poca resonancia. Wikipedia

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Moodswinger

La Moodswinger es un instrumento de cuerda creado por Yuri Landman. Aunque en apariencia es una guitarra eléctrica, es en realidad una cítara, ya que no tiene traste ni tampoco cuello. Se puede decir en resumen que es una cítara resonante de 12 cuerdas con un tercer puente. La pastilla y electrónicas están construidas hasta el cuello, al contrario del cuerpo que poseen las guitarras eléctricas convencionales.

En marzo del 2006, Landman se contactó con la banda americana Liars con quienes acordó fabricarles el instrumento. Al cabo de dos meses fabricó dos copias de la Moodswinger, una para el guitarrista/baterista Aaron Hemphill y otra para él mismo.

En 2008 Landman creado la Moodswinger II, mono y stereo, y en 2009 la Home Swinger, una versión hágalo usted mismo. Wikipedia

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Variantes de la mandolina

Existen numerosas variantes del instrumento, pero todos ellos pueden integrarse en tres tipos principales:

  • Mandolina italiana: es la utilizada en la música clásica. Tiene la caja abombada en forma de pera formada de 12 a 47 costillas), y una boca por lo general de forma elipsoidal (ovalada). Por lo general tiene la tapa dividida en dos placas que forman un ángulo obtuso. De persistente resonancia, es utilizada en la ejecución de música italiana.
  • Mandolina folk: a diferencia de la italiana, tiene la boca redondeada (Aunque algunos fabricantes han adoptado el modelo de "efes" utilizado en los violines) para aumentar la sonoridad. Variantes de este tipo son los bandolines brasileños y las mandolinas irlandesas. Su tapa está formada por una sola placa plana. Dependiendo del lugar de origen, el fondo de la tapa puede ser abombado o plano.
  • Mandolina bluegrass: empleada en el estilo musical conocido como bluegrass. Muy utilizada en la actualidad.Existen gran variedad de modelos, pero en general se clasifican en "A" (En forma de gota y semejante a la mandolina Folk) y "F" (Con un enorme adorno semejante a las volutas en los violines y que le da su forma característica), basándose en los primeros modelos de la marca "Gibson" que popularizaron el instrumento en Estados Unidos a principios del siglo pasado. Wikipedia
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Historia de la mandolina

Finales del siglo XVI, en Italia, aparece el instrumento conocido como mandola, precursor de la mandolina. El término mandolino, nombre italiano del instrumento, se cita por primera vez en 1563, refiriéndose, a una variante de la mandola, de menor tamaño. Durante el siglo XVII se fabricaron mandolinas en Italia; en el Museo Stradivariano de Crema se conservan los patrones de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del propio Antonio Stradivari, el famoso constructor de violines.

A partir de finales del siglo XVII, muchos grandes compositores comienzan a utilizar la mandolina en sus obras: es el caso de Antonio Vivaldi (1678-1741),quien compuso obras para mandolina y orquesta; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), quien la utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven (1770-1827) o Niccolò Paganini (1782-1840).

Actualmente, la mandolina está muy extendida en la música folk británica e irlandesa, en la música country y bluegrass de Estados Unidos, y en el choro y la samba brasileños. También se encuentra en algunos conjuntos de música tradicional portuguesa, mientras que en España ha sido desplazada por la bandurria y no es frecuente su uso en la música tradicional. En México , durante años fue la primera voz de los conjuntos estudiantiles llamados Tunas o estudiantinas (de origen español), pero en la actualidad ha sido reemplazada por la bandurria y el laúd. Se encuentra también en los conjuntos folclóricos de algunos países latinoamericanos, sobre todo de Chile, Bolivia, Perú, Colombia y Venezuela. La forma de afinar la mandolina es la del violín, es decir, la siguiente: Sol, Re, La y Mi, siendo Mi la más aguda y Sol la más grave. La sucesión se da por intervalos de quinta justa entre una cuerda y otra. Por convención, se llama primera cuerda a la más aguda (mi), siguiendo en progresión descendente hasta la cuarta cuerda (sol). Hay que destacar que se debe afinar cada par de cuerdas al unísono, ya que la mandolina suele contar con órdenes dobles de cuerdas, a fin de hacer posible la ejecución libre del trémolo, efecto necesario a fin de alargar un sonido. Wikipedia

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Mandolina

La mandolina es un instrumento musical de 4 cuerdas dobles formando parte dentro de la música de la familia de los cordófonos. El número y tipo de cuerdas de la mandolina ha sido variable según el tiempo y el lugar, pero la configuración predominante hoy en día es la de la mandolina napolitana, con cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). A diferencia del mojon, las cuerdas de la mandolina se pulsan con una púa o plectro. La caja de resonancia puede ser cóncava o plana. Actualmente se usa para diversos usos, parecidos al de la Bandurria. Wikipedia

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Recuperación de la viola

Durante la primera mitad del siglo XX los pioneros más destacados en la recuperación de la viola da gamba fueron la familia Dolmetsch (en concreto Arnold Dolmetsch) y August Wenzinger. Ya en la segunda mitad del siglo XX el instrumento recuperó su lugar en el mundo concertístico, siempre en el contexto de la llamada "interpretación históricamente documentada", movimiento de recuperación de la música antigua interpretada con criterios historicistas, con particular protagonismo de centros de enseñanza como la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) o los conservatorios holandeses. Entre los gambistas sobresalientes de esa segunda mitad del siglo XX cabe destacar a Wieland Kuijken, Jordi Savall, Vittorio Ghielmi y Paolo Pandolfo. A partir de los años ochenta el instrumento ha normalizado su presencia en la vida musical académica, pudiendo actualmente ser estudiado en todos los grados de enseñanza en la mayoría de los países europeos, como Francia, Gran Bretaña, Alemania, Italia y España.

Han surgido igualmente instituciones y asociaciones que fomentan la recuperación de la viola da gamba, como la Viola da Gamba Society, fundada en 1948 en Gran Bretaña, o la Orpheon Foundation, liderada por el profesor José Vázquez y que cuenta con una colección de más de cincuenta violas da gamba históricas en estado de uso. La popularidad del instrumento conoció un gran empuje gracias a la película Tous les matins du monde, de Alain Corneau (1991), libremente basada en las vidas de Marin Marais y Monsieur de Sainte-Colombe, cuya banda sonora, dirigida por Jordi Savall, fue un enorme éxito de ventas.

En las últimas décadas del siglo XX y la primera del XXI la viola da gamba ha normalizado también su vida musical. Si bien su repertorio básico sigue siendo el histórico, diversos conjuntos y solistas han fomentado la composición de nuevas obras para el instrumento y para consort de violas, encargadas a autores como Ernst Reijseger, George Benjamin, Michael Nyman, Elvis Costello, John Tavener, Gavin Bryars, Ivan Moody o Barry Guy, entre otros muchos. Wikipedia

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Decadencia de la viola

Asociada al mundo aristocrático del Ancien Régime y carente del poderío sonoro de su rival el violonchelo, la viola da gamba fue perdiendo durante el siglo XVIII su posición predominante como instrumento principal entre los graves de cuerda. Pese a su reivindicación entre los franceses, por autores como Hubert Le Blanc (Le Blanc, 1740), como representante de su música frente a la invasión del gusto italiano, la viola da gamba prácticamente desapareció de la práctica musical en torno a 1800, tras una efímera resurrección encarnada en el baritón, una variante con cuerdas de resonancia añadidas. Wikipedia

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Desarrollo del instrumento de cuerda

Casi desde su origen la viola da gamba fue utilizada en conjuntos, hoy llamados consorts, formados por violas de diversos tamaños; con ellos se interpretaba música polifónica (fuese o no de origen vocal). Pero muy pronto tratados como el de Diego Ortiz describen también su uso virtuosístico en la improvisación y la disminución.

El repertorio específico para viola da gamba se crea consecutivamente en los países que se situaron a la vanguardia del instrumento; así, los principales autores del XVI publican en Italia: Silvestro Ganassi (Ganassi, 1542 y 1543), Ortiz y más tarde Rognoni, con el que ya a principios del XVII el repertorio de disminuciones para viola bastarda alcanza una muy notable dificultad, lleno de grandes saltos, agilidades y pasajes en tesituras extremas.

Emigrado el italiano Alfonso Ferrabosco a Inglaterra, la obra de su hijo homónimo da inicio a la prolífica escuela inglesa: durante el siglo XVII se produce una gran floración del repertorio para consort con autores como John Dowland ("Lachrimae or Seven Teares", 1604), Gibbons, Coprario, Lawes y, finalmente, las Fantasias de Henry Purcell. Simultáneamente se desarrolla allí el repertorio de variaciones sobre grounds para division viol (Simpson, Poole, Jenkins) y el de piezas para lyra viol (Ferrabosco hijo, Hume, Sumarte, Corkine), difundido mediante manuscritos en tablatura para uso doméstico.

La visita de Maugars a Inglaterra origina la escuela francesa de los siglos XVII y XVIII, que llevaría al instrumento a su máximo desarrollo solístico gracias a Hotman, Sainte-Colombe, Marin Marais y los Forqueray. El repertorio francés se organizaba habitualmente en forma de suites para viola da gamba bajo (de siete cuerdas) y bajo continuo. Si los cinco libros publicados por Marin Marais han alcanzado el mayor prestigio musical, el instrumento llegó a su máximo grado histórico de dificultad técnica y riqueza de recursos en las piezas de Antoine Forqueray, publicadas por su hijo Jean-Baptiste Antoine en París (1747).

Es también en el siglo XVIII cuando trabajan en Alemania sus principales virtuosos (como el holandés Schenck y los Abel), escribiendo para la viola da gamba autores de primera línea como Buxtehude y Telemann. Johann Sebastian Bach creó para Christian Ferdinand Abel sus tres Sonatas para viola da gamba y clave obligado (en Sol mayor, en Re mayor y en Sol menor, respectivamente BWV 1027, 1028 y 1029), y utilizó igualmente la viola da gamba bajo en varias intervenciones en las Pasiones según San Juan y San Mateo. Carl Friedrich Abel, hijo de Christian Ferdinand, es considerado el último gran violagambista de la época histórica, alcanzando legendaria fama sus improvisaciones londinenses, recogidas en manuscritos de piezas para viola da gamba sola. Wikipedia

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Historia de la viola de gamba

Origen

Ya en la Edad Media existen representaciones de instrumentos de cuerda, como fídulas y rabeles, que son tañidos con arco y sujetos entre las piernas de los músicos. Hay que esperar a fines del siglo XV para registrar los primeros instrumentos con las características propias de la viola da gamba, tales como el diapasón con trastes y las escotaduras. Abundantes testimonios iconográficos de ca. 1500 sustentan la hipótesis de que nuestro instrumento fue creado en los dominios de la Corona de Aragón (Reino de Valencia, Baleares, Cerdeña, sur de Italia) como evolución de la vihuela de mano, al ser tañida ésta con arco siguiendo la técnica morisca del rabel, aún entonces muy extendido en Valencia (Woodfield, 1984; Andrés, 1995). Muy pronto se recogen testimonios escritos de la presencia del instrumento en Roma y en la corte hispana de Isabel la Católica, y ca. 1514 es representado por Rafael Sanzio en su Éxtasis de Santa Cecilia. En ese momento han sido ya desarrollados modelos de diversos tamaños y el instrumento se expande rápidamente por toda España, Italia, Alemania, Francia e Inglaterra. Wikipedia

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Tipos y afinaciones de la viola de gamba

En cuanto al tamaño y, consecuentemente, la tesitura, las violas da gamba constituyen una amplia familia. Las tallas más en uso son las de soprano, tenor y (sobre todo) bajo, pero existe una gran variedad de modelos. De menor a mayor podemos encontrar:

  • El quinton francés, instrumento de afinación mixta entre el violín y el pardessus de viole: sol-re'-la'-re"-sol".
  • El pardessus de viole francés, afinado sol-do'-fa'-la'-re"-sol".
  • La viola soprano, afinada re-sol-do'-mi'-la'-re".
  • La viola alto, raramente usada, afinada La-re-sol-si-mi'-la'.
  • La viola tenor, de afinación idéntica a la del laúd renacentista en Sol: Sol-do-fa-la-re'-sol'.
  • La lyra viol, modelo inglés del siglo XVII de tamaño algo mayor que la viola tenor y al que se aplicaban diversas afinaciones para interpretar música de tablatura.
  • La division viol, instrumento inglés descrito entre otros por Christopher Simpson (Simpson, 1659), de afinación semejante a la de la viola bajo pero de menor tamaño, apropiada para el uso solístico.
  • La viola bastarda, denominación italiana que podría identificarse con la division viol.
  • La viola bajo, afinada Re-Sol-do-mi-la-re'. Es, con diferencia, el modelo más usado de la familia, desde Diego Ortiz (S. XVI) hasta Abel (S. XVIII), y es hoy el modelo básico en la enseñanza reglada del instrumento. Sainte-Colombe impuso en la Francia del siglo XVII una variante de siete cuerdas, al añadirle una cuerda más grave (La,). Por el agudo su extensión en el repertorio suele llegar al re".
  • El violone en Sol, afinado Sol,-Do-Fa-La-re-sol.
  • El violone en Re, afinado Re,-Sol,-Do-Mi-la-re.

No obstante, en todo momento ha habido un gran número de afinaciones alternativas recogidas en tratados históricos: así, por ejemplo, en la Francia del XVI las violas solían tocarse en conjuntos formados por instrumentos de cinco cuerdas afinados enteramente por cuartas, al igual que ocurre con muchos violones posteriores. Hay que advertir también de la notable confusión de términos entre lyra viol, division viol y viola bastarda.

Actualmente se investiga en la producción de nuevos modelos de viola da gamba, algunos de ellos eléctricos. Wikipedia

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características de la viola de gamba

Existe una gran variedad de modelos históricos de viola da gamba; no obstante, podemos señalar una serie de características constructivas típicas que suelen coincidir en la mayor parte de ellos:

  • Diapasón curvo y con siete trastes.
  • Caja con hombros caídos y fondo plano, con talud hacia el mango.
  • Tabla armónica tallada.
  • Escotaduras pronunciadas.
  • Oídos en forma de C.
  • Puente curvo.
  • Cuerdas de tripa (las más graves entorchadas con metal), en número entre cinco y siete.
  • Afinación por cuartas con una tercera mayor intercalada.
  • Clavijero tallado con motivos figurativos.

De modo análogo las formas de tañer el instrumento suelen coincidir en:

  • Sujetar el instrumento entre las piernas, incluso los de menor tamaño (con la única excepción de las violas de muy gran tamaño, apoyadas en el suelo) y sostenerlo verticalmente, con ligera inclinación del mango hacia la izquierda del músico.
  • Tomar el arco palma arriba teniendo algún dedo en contacto directo con las cerdas, técnica similar a la tradicional en los instrumentos de cuerda folclóricos. Wikipedia
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que es viola de gamba

Su denominación, de origen italiano, significa "viola de pierna". Se opone así a la de la viola convencional, llamada da braccio (de brazo), y se debe a la forma de ser asida por el músico, entre sus piernas. Aunque actualmente se ha impuesto la expresión "viola da gamba" en los países hispanohablantes, el instrumento ha sido denominado en castellano de otras muchas formas a lo largo de su historia, tales como "vihuela de arco" (Cerone, 1613), "vigüela de arco" (Covarrubias, 1611) o "violón" (Ortiz, 1553). En francés es llamada viole, en inglés viol y en alemán Gambe. Wikipedia

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Viola da gamba

La viola da gamba o vihuela de arco es un cordófono de arco, provisto de trastes, de amplio uso en Europa entre finales del siglo XV y las últimas décadas del siglo XVIII. El modelo más extendido tiene seis cuerdas afinadas por cuartas (con una tercera mayor entre las centrales), un aspecto similar al del violonchelo, una extensión de Re a re", y es tañido tomando el arco palma arriba. Al intérprete se le conoce como violagambista.[1 Wikipedia

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Lira viola

La lira viola o lyra viol es un instrumento de cuerda de la familia de la viola da gamba. A veces es identificado con la viola bastarda o con la division viol. Solía tener seis cuerdas y su caja de resonancia era de un tamaño algo menor que el de la viola da gamba bajo pero mayor que el de la tenor. Tuvo gran popularidad en la Inglaterra de los siglos XVI y XVII, como instrumento doméstico. Se afinaba de muy diferentes modos (la hoy llamada scordatura); la lectura de su música era facilitada escribiendo el repertorio en tablatura. Wikipedia

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Historia de la lira

La lira más antigua y sencilla tenía tres cuerdas pero después pasó a cuatro, cinco, seis, siete e incluso doce. En Egipto, llegó a tener hasta dieciocho. Las partes de la lira, además de las cuerdas eran:

  • la caja, que en un principio era confeccionada con caparazones de tortuga y después de madera.
  • la tabla que cerraba la caja y que a menudo no era más que una simple piel seca distendida.
  • los montantes adoptados a la caja.
  • el yugo colocado a través de un montante al otro.

Las cuerdas pasaban sobre una concha de tortuga, lamada en griego cheloné y chelys, palabra que sirvió también para designar derta especie de Lira. La añadidura del mogas hacia la lira más pesada que la cítara y por esta razón la llevaban colgada a la espalda por medio de una correa o tahalí y de esto sacó Apuleyo el nombre de apta balteo, esto es, propia para ser colgada en las espaldas. Filostrato describiendo la lira de Amphion dice que la madera empleada en la construcción de la lira era boj y lo demás era de cuernos de cabrón montés. Los dos brazos de la lira de Terpsícore que hay en el Museo Napoleón están hechos de anillos. Esta lira representa una de aquellas que están formadas de una concha de tortuga y los brazos de astas de cabrón. La Lira, que Aquiles tiene en la mano en la lámina 8ª del tomo 1.° de las pinturas de Herculano, es de color encarnado, de lo que puede deducirse que pintaban la madera de las Liras de aquel color que era su favorito. Por un pasaje de los fastos de Ovidio se demuestra que los Citaristas tenían el gusto de llevar un Chlamys o capa de color encarnado.[1]

Los Poetas han entendido por lira la más hermosa y más calma armonía así es que hace un gran papel en sus poemas y hablan con entusiasmo del placer que causa. Tenía la ventaja de poderse cantar y acompañarse con ella y se servían de ella en los coros trágicos.[1]

Al arte de tocar la Lira se le llamaba Citaristica o Lirística Al acto de tocaría se le daba los nombres de Lyrizein, Kytarizein y Psallein y a los tocadores los Liristas y Citaristas. El que cantaba y se acompañaba eon la Lira era conocido con el nombre de Lyrodos o de Citharaedus y los de Lyrodia y Citharaedia eran las palabras que designaban la acción de acompañarse de este modo. Algunas veces la Lira y la flauta se acompañaban recíprocamente a lo que Suidas da el nombre de Synaulia o según el dialéctico ático xynaulia con con cuya palabra se entendía el recíproco acompañamiento de dos flautas.[1]

Largo sería el poner el catálogo de los músicos que han sido célebres en este instrumento. La mitología señala como los más famosos a Apolo, Mercurio, Terpsícore, Orfeo, Lino, Amphion, Demodoco, etc. Todos los griegos aprendían la música y al principio o al fin de las comidas cantaban unas canciones llamadas Escolias y principalmente las de Harmodio y Aristógiton. Pasaba la lira de uno a otro y cada uno cantaba a su vez una estrofa acompañándose con ella. Habiendo en una ocasión semejante pasado la lira a manos de Temístocles, que no sabia tocarla, se le tuvo por falto de educación. La palabra amousikos u hombre que no sabe la música significaba un hombre sin gusto y sin educación o como se dice entre nosotros, un paleto.[1]

En una obra intitulada Lira Barberina, su autor Doni, hizo una colección de diferentes figuras de la Lira. Le dio aquel título, por que daba en ella la explicación de una que hizo fabricar para el cardenal Barberini según el sistema de los antiguos tal como la concibió. El editor de esta obra después de la muerte de Doni, reunió en dos grandes tomos, todo cuanto había escrito éste sobre la música.[1 Wikipedia

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